Learn English with Electro Music with these 19 Song Recommendations (Full Translations Included!)

¿Te suena eso de llorar un poco, secarte las lágrimas y acabar bailando tu propia fiesta? En “Solo”, Clean Bandit y Demi Lovato convierten la ruptura en un torbellino de emociones encontradas: el corazón está roto, pero el cuerpo pide música y movimiento. La protagonista revisa mensajes que aún duelen, confiesa que nadie nuevo logra “encenderla”, y sin embargo se anima con ese estribillo pegajoso: “This solo, solo, everybody”. Entre beats electrónicos y coros irresistibles, la canción muestra cómo la soledad puede transformarse en un momento de empoderamiento personal.

En resumen, “Solo” es un himno a la autosuficiencia amorosa. Habla de cambiar las lágrimas por pasos de baile, de aceptar que el único “toque” disponible es el propio, y de disfrutar la libertad que trae decir “puedo pasarlo bien sin ti”. Perfecta para practicar tu español mientras descubres que un desamor también puede ser la excusa ideal para encender la pista –incluso si esa pista es tu habitación.

¿Te has sorprendido alguna vez tarareando una melodía alegre mientras extrañas a alguien? Eso mismo sucede en Valerie, la chispeante colaboración del productor británico Mark Ronson con la inconfundible voz de Amy Winehouse. Sobre un ritmo soul cargado de vientos y palmas, la cantante confiesa que, desde que volvió a casa, «su cuerpo es un desastre» porque echa de menos a Valerie: su cabello pelirrojo, su estilo al vestir y todos esos detalles que aparecen como un cuadro en su mente cuando contempla el agua.

Entre preguntas divertidas y un toque de preocupación —«¿tuviste que ir a la cárcel? ¿Cambiaste el color de tu cabello?»— el narrador revela que Valerie quizá atravesó problemas y ahora vive lejos. El pegajoso estribillo implora una y otra vez: come on over, Valerie, mientras la música mantiene un aire festivo que contrasta con la nostalgia de la letra. Así, la canción se convierte en un himno sobre el deseo de reencontrarse con una amiga (o un amor) que, pese a la distancia y las complicaciones, sigue ocupando un lugar muy vivo en la memoria.

¿Alguna vez te has enamorado de tu mejor amiga y no sabes cómo decirlo? Eso es exactamente lo que le ocurre a la narradora de “Jenny”. A lo largo de la canción, confiesa pequeños “secretos” que delatan su amor oculto: tomar prestado el pintalabios de Jenny, usar su camisa como funda de almohada y sentir celos de cada nuevo novio. Todo está contado con un tono juguetón y electropop que convierte la tensión romántica en un himno irresistible.

El estribillo, "I wanna ruin our friendship, we should be lovers instead", resume el corazón de la historia: el miedo a romper una amistad perfecta y el deseo de transformarla en algo más profundo. Con un mensaje claro de amor LGBTQ+ y valentía emocional, Studio Killers y Kim Petras celebran la honestidad, la pasión y el riesgo de seguir al corazón. ¡Prepárate para cantar y practicar tu español mientras acompañas a Jenny y su mejor amiga en este viaje de confesiones amorosas!

¿Alguna vez has intentado olvidar a alguien y terminas comparando a cada nueva cita con esa persona única que marcó tu vida? Eso es exactamente lo que cuentan Mark Ronson (el productor británico detrás de muchos éxitos) y Camila Cabello en Find U Again. Con un ritmo synth-pop melancólico pero bailable, la letra revela a un protagonista que sale de noche, busca otros ojos y llena su agenda de planes nuevos, pero se choca una y otra vez con el mismo obstáculo: nadie está a la altura de ese amor perdido.

Entre confesiones divertidas (¡hasta menciona ir a terapia dos veces por semana!) y disculpas sinceras, la canción mezcla culpa, nostalgia y esperanza. El coro es un grito claro: Baby, I know I'll never find you again. Así descubrimos un sentimiento muy universal: cuando alguien era "el último de su especie", cualquier reintento parece imposible. Sin embargo, la puerta no se cierra del todo; si esa persona dijera "intentémoslo de nuevo", él o ella estaría listo al instante. Find U Again nos recuerda que amar intensamente puede doler, pero también nos mueve a la pista de baile para llorar y bailar al mismo tiempo.

Rockabye convierte la clásica nana en un himno moderno dedicado a todas las madres solteras que luchan cada día por sacar adelante a sus hijos. Clean Bandit (grupo británico), Anne-Marie y el inconfundible estilo caribeño de Sean Paul mezclan pop electrónico con toques de dancehall para contar la historia de una mujer que trabaja de noche, soporta la distancia familiar y, aun así, promete a su pequeño un futuro mejor. Cada «Rockabye, baby, don’t you cry» es un abrazo musical que transmite protección y amor incondicional.

La letra celebra la fuerza femenina: la madre paga matrículas, compra el billete de autobús y se enfrenta sin miedo a cada obstáculo. Con versos que repiten "nobody matters like you", la canción recuerda al oyente que, pese a las dificultades, el vínculo entre madre e hijo es invencible. En lugar de lamentarse, la protagonista transforma la lucha diaria en ritmo, esperanza y movimiento de cuna al compás del beat, invitándonos a alzar la mano al cielo y secar las lágrimas porque el amor maternal siempre sale victorioso.

Mallrat, la joven artista australiana de pop alternativo, se une a The Chainsmokers en “Wish On An Eyelash, Pt. 2” para pintar un romance que se siente literalmente de otro planeta. Con sintetizadores brillantes y un estribillo pegajoso, la canción describe esa emoción adolescente en la que cualquier pequeño ritual —pedir un deseo al soplar una pestaña, mirar el reloj a las 11:11 o apagar las velas de cumpleaños— se convierte en una oportunidad mágica para pensar en la persona amada.

El tema gira en torno a la idea de que el amor verdadero hace que todo lo cotidiano se vuelva cósmico. Cuando la pareja escapa de las fiestas, conduce de vuelta del aeropuerto o baila riendo de lo que detestan, la protagonista siente que “los ángeles” los rodean y que los planetas orbitan a su alrededor. En pocas palabras, la canción celebra esa fase luminosa donde el enamoramiento trasciende el espacio y el tiempo, convirtiendo cada momento compartido en el mejor del universo.

¡Prepárate para dejarte llevar! "Carried Away" reúne al productor estadounidense Surf Mesa y a la potente voz de Madison Beer en un himno electrónico que celebra el enamoramiento instantáneo. La canción describe ese momento mágico en el que, tras buscar paz y claridad, los protagonistas se encuentran y todo lo demás pasa a segundo plano. Con la pista iluminada por sintetizadores suaves y un pulso relajado, la letra repite casi como un mantra: "I love to love", subrayando la euforia de sentirse cautivado por alguien que te entiende a la perfección.

A lo largo del tema, Madison se confiesa un «libro abierto» y compara el amor con fuego, luz y curación. Nos recuerda que sentir intensamente es motivo de celebración, aun cuando nos "arrebate" un poco. Entre coros de "love, love, love", la canción invita a abrazar nuestras emociones sin miedo y a quedarnos en ese instante de plenitud donde todo brilla. Ideal para aprender vocabulario sobre sentimientos y, de paso, soltarte bailando. ¡Déjate llevar! 🎶

Miss You es un himno de anhelo moderno donde Cashmere Cat, acompañado por Major Lazer y Tory Lanez, confiesa lo difícil que es sacarse a alguien de la cabeza. La letra gira en torno a esa obsesión que ocupa cada minuto del día: “There’s 24 hours in a day / I think about you more than 24 times”. El protagonista reconoce que, por más que intente olvidar, la persona amada siempre vuelve a su mente y acaba a su lado. Entre recuerdos de besos y preguntas provocadoras –“Can I hit it like that?”– se mezcla la urgencia física con la necesidad emocional de estar juntos.

En el fondo, la canción celebra la persistencia del amor y el deseo. Después de tanto tiempo de espera, se promete cambiar y “ser diferente” para recuperar lo perdido. La electrónica suave de Cashmere Cat, los ritmos caribeños de Major Lazer y la voz seductora de Tory Lanez se unen para crear un paisaje sonoro que se siente como un atardecer nostálgico: melancólico pero lleno de esperanza. Al escucharla, prepárate para viajar por esos momentos en los que el corazón late más rápido solo con pensar en esa persona que, pase lo que pase, sigue siendo inolvidable.

¡Prepárate para una dosis de euforia pop! "Super Natural" reúne al productor británico Danny L Harle con la siempre carismática Carly Rae Jepsen para celebrar un amor que se siente fuera de este mundo. La letra describe esa conexión instantánea con alguien que parece leerte la mente: da igual si pasean por calles desiertas o se quedan en la cama, todo resulta mágico porque la química es perfecta.

En cada verso, la pareja comprueba que no necesita esforzarse ni planear nada; simplemente encajan. Esa facilidad casi telepática provoca una sensación de alegría diaria, como si estuvieran viviendo en un estado permanente de “euforia”. El tema proclama que lo suyo no es “normal” y lo repite con orgullo: cuando dos personas se entienden tan bien, el amor se vuelve supernatural.

“Wide Open” es el encuentro entre los ritmos hipnóticos de The Chemical Brothers y la voz nostálgica de Beck. Bajo una base electrónica que crece poco a poco, la letra nos sumerge en la vulnerabilidad de quien se siente totalmente expuesto —"I’m wide open"— y se pregunta por qué su entrega ya no basta. Con frases que se repiten como un mantra, la canción dibuja la imagen de un amor que se aleja lentamente, mientras el protagonista observa impotente cómo la distancia crece compás tras compás.

El estribillo “Slow me down, it’s getting away from me” funciona como un grito de auxilio: quiere frenar el tiempo para salvar lo que aún queda, pero la realidad avanza sin pausa. Ese contraste entre la urgencia emocional y el pulso constante de la música crea una atmósfera tan bailable como melancólica. En esencia, “Wide Open” habla de la fragilidad de las relaciones y de la sensación de perder algo precioso a pesar de darlo todo, recordándonos que, a veces, estar abierto por completo no garantiza que el otro se quede.

¡Prepárate para volar! En Gold Skies, el productor jordano Sander van Doorn se une a Martin Garrix, DVBBS y la voz de Aleesia para pintar un atardecer electrónico donde todo es posible. La canción describe ese instante mágico en el que el sol toca el horizonte y el cielo se tiñe de dorado, envolviendo a los amantes en un resplandor casi irreal. “See the smoke when the sun shines” evoca la bruma cálida que acompaña la puesta de sol, mientras el estribillo insiste en que “we will forever be faded under gold skies”, una forma poética de decir que los recuerdos de este momento quedarán grabados para siempre.

El tema celebra la intensidad de un amor que sube y baja como la propia melodía −“coming up, coming down”− pero que nunca pierde su chispa. Al invitarte a “touch the sun” y “feel me now”, los artistas hablan de arrojarse sin miedo al presente, porque cuando compartimos una conexión tan poderosa, sentimos que “we will live forever”. En resumen, Gold Skies es un himno a la euforia, la juventud y la promesa de que, bajo un cielo dorado, nuestros mejores instantes se vuelven eternos.

Con un ritmo seductor y un beat electro-pop que engancha desde el primer segundo, “Back To Me” presenta a una narradora segura de sí misma que juega al gato y al ratón con su interés amoroso. Ella detecta las miradas, descifra las excusas y, entre versos provocativos, le deja claro que no vale la pena disimular: tarde o temprano él volverá atraído por su magnetismo y por la música que envuelve la escena.

El tema mezcla coqueteo y confianza: la protagonista reta a su acompañante a seguirle el paso en la pista, a dejarse llevar sin dudar. Mientras él intenta mantener la compostura, ella disfruta viendo cómo lucha contra su deseo, convencida de que acabará “back, back, back to me”. La canción es, en esencia, un recordatorio divertido y picante de que el juego de la seducción siempre tiene dos bandos, pero a veces solo uno lleva las riendas.

¡Siempre es un buen momento! Esa es la filosofía que nos regalan Owl City y Carly Rae Jepsen en esta canción rebosante de energía positiva. La letra describe un día sin planes fijos: levantarse con una melodía de Prince en la cabeza, saltar a un taxi rumbo a cualquier parte y hasta dejar caer el teléfono en la piscina sin perder la sonrisa. Todo vale mientras haya ganas de pasarlo bien y alguien dispuesto a acompañarte.

El mensaje es claro: no hace falta esforzarse demasiado para disfrutar. Mañana, tarde o noche, aquí o allá, cualquier instante puede convertirse en una celebración si adoptamos la actitud correcta. Con su estribillo pegadizo y repetitivo, la canción nos invita a soltar preocupaciones y a decir “sí” a la aventura cotidiana. Prepárate para practicar tu español mientras te contagias de este himno optimista que recuerda que la diversión empieza cuando decides vivir el momento.

¿Alguna vez has sentido que tú y otra persona laten al mismo ritmo? “I Want You To Know” es un himno electro-pop que celebra esa conexión casi cósmica entre dos seres que, según la letra, “bleed the same light”. Zedd y Selena Gómez nos cuentan la historia de dos amantes que comparten pulso, energía y destino: nada puede separarlos, ni siquiera la lluvia o las tormentas emocionales. Cada vez que el beat sube, la canción recuerda que es su momento y que ambos siguen “el mismo curso”.

El tema mezcla metáforas científicas y atmosféricas para describir la atracción: una “reacción en cadena” que arrastra, un reflejo en el que todo brilla más y la certeza de que, bajo cualquier clima, la unión es tan poderosa como un “mismo resplandor”. En resumen, este éxito de la pista de baile habla de sincronía, pertenencia y confianza absoluta en la fuerza compartida de una relación que no conoce fronteras.

Sun In Our Eyes es un himno veraniego que mezcla la voz dulce y rasposa de la danesa MØ con las bases electrónicas de Diplo. La letra nos transporta a esos días eternos de juventud en los que el sol aún quema la piel, el aire huele a aventura y cualquier plan improvisado parece una gran idea. Entre recuerdos de footprints in the sand y tragos robados, la narradora revive un amor tan intenso que hace “temblar y estrellarse”, un romance que, aun sabiendo que puede desvanecerse, se vive al máximo.

La canción celebra el impulso de lanzarse sin miedo: ride that wave until we’re higher than life. Aquí el sol en los ojos simboliza la mezcla de deslumbramiento y ceguera que provoca el enamoramiento. No importan las advertencias ni las consecuencias, porque, mientras dure, no habrá “más lágrimas en la noche”. Sun In Our Eyes es, en definitiva, una invitación a abrazar la euforia, la nostalgia y la vulnerabilidad de un amor de verano que ilumina todo a su paso.

“Either Way” es una invitación desenfadada al juego del flirteo moderno. Con un beat electrónico suave y voces seductoras, Snakehips, Anne-Marie y Joey Bada$$ retratan a dos personas que se gustan, pero no quieren complicarse. La frase que se repite, "If you want it like that you should show me", deja claro que aquí manda la sinceridad: si quieres algo, demuéstralo. Mientras tanto, el "I'm good either way" transmite seguridad y una actitud relajada: pase lo que pase, todo está bien.

El verso de Joey Bada$$ añade swagger y opciones que van desde un plan casero hasta un derroche de compras. Todo vale siempre que haya transparencia y consentimiento. En resumen, la canción celebra la comunicación directa, la libertad de elegir y el disfrutar del momento sin presiones. Perfecta para recordarnos que, en el amor y en la vida, fluir con honestidad siempre es la mejor jugada.

All My Friends nos sumerge en una noche de fiesta que se vuelve amarga. Con un groove irresistible de Snakehips y las voces de Tinashe y Chance The Rapper, la canción pinta la escena de un club lleno de luces, alcohol y drogas, donde todos aparentan divertirse pero en realidad sienten un vacío enorme. La letra se mueve entre imágenes casi salvajes —“vultures, cannibals”— y la confesión honesta de estar harto: “I hate this club, man I drink too much”. La fiesta parece infinita, sin embargo el protagonista se siente solo, con los ojos “black and red”, deseando escapar y arrastrándose de vuelta a la persona que realmente le importa.

Lo que podría sonar como un himno de fin de semana se convierte en una reflexión sobre los excesos, la rutina de “otro viernes desperdiciado” y la búsqueda de una conexión auténtica. Chance aporta versos que critican la glorificación de las drogas y el dinero, recordando que los sueños se convierten en jaulas y que la muerte por pastillas es real. En conjunto, el tema muestra cómo las noches de desenfreno dejan resacas no solo físicas sino emocionales, y cómo, al final, todos anhelamos algo más que la próxima copa o la próxima canción del DJ.

Feel Right es un torbellino de funk explosivo que Mark Ronson —el productor británico detrás de éxitos como Uptown Funk— arma a la perfección con la voz desbordante del rapero Mystikal. En esta canción los músicos recrean la atmósfera de un concierto en vivo: presentador, aplausos, solos de banda y una avalancha de rimas cargadas de humor, alarde y energía callejera. Mystikal presume su fuerza vocal, su barrio (my whole hood in this) y su actitud desafiante mientras invita a todos a moverse sin parar. Es un homenaje a la vieja escuela del funk y del hip-hop, donde la prioridad es sentirse bien y hacer que la pista arda.

Cuando escuches Feel Right imagina un club repleto: los metales suenan, el bajo hace vibrar el suelo y el público responde a cada llamada de Mystikal con gritos y baile. Entre juegos de palabras, chistes pícaros y autoconfianza, el mensaje es simple: libera tu cuerpo, olvida las preocupaciones y disfruta del momento. Así, Ronson y Mystikal “rock this mother for you” —es decir, lo dan todo por la audiencia— y nos recuerdan que la música es pura celebración colectiva.

Closer retrata ese momento eléctrico en el que dos ex se reencuentran por casualidad y deciden lanzarse, sin pensarlo demasiado, a revivir la chispa que los unía. Entre confesiones de que “bebía demasiado” y recuerdos de una vida estudiantil hecha de coches averiados, tatuajes mordidos y colchones prestados, la canción celebra la rebeldía compartida y el placer de volver a sentirse jóvenes y desinhibidos.

La frase repetida “We ain’t ever getting older” funciona como un hechizo: por unas horas, el pasado queda congelado y las responsabilidades adultas se esfuman. Más que una simple historia de amor, el tema habla de la nostalgia juguetona, del impulso de agarrar fuerte un recuerdo y estirarlo hasta el amanecer, convencidos de que la mejor forma de curar un corazón roto es cantando muy alto el viejo hit de Blink-182 mientras todo vuelve a empezar.