Learn English With Billie Eilish with these 23 Song Recommendations (Full Translations Included!)
Birds of a Feather es un juramento de amor extremo y sin fecha de caducidad. Desde el primer verso, Billie Eilish deja claro que quiere que su pareja se quede con ella “hasta que esté en la tumba”; la idea de vivir sin esa persona es tan insoportable que prefiere compartir incluso el ataúd antes que enfrentar la soledad. La expresión inglesa birds of a feather (que equivale a “tal para cual”) resume el núcleo de la canción: dos almas semejantes que se encuentran, se reconocen y prometen permanecer juntas aunque el clima cambie, la vida se acorte o la muerte se acerque. La atmósfera es romántica y, a la vez, un poco sombría, con imágenes de cuerpos que se tornan azules y féretros que subrayan la intensidad de un amor casi obsesivo.
En los versos finales, Billie intenta que su pareja se vea a través de sus ojos llenos de admiración y recuerda que ya se conocían “en otra vida”. Entre lágrimas y determinación, la cantante mezcla vulnerabilidad y fuerza: puede que el futuro sea incierto, pero mientras dure prometerá “I’ll love you ‘til the day that I die”. Este contraste entre la fragilidad humana y la potencia del sentimiento convierte la canción en un himno dulce, oscuro y apasionado para cualquiera que crea en la idea del alma gemela.
Wildflower nos invita a husmear en la intimidad de un triángulo emocional donde el pasado sigue floreciendo. Billie Eilish encarna a la pareja actual que intenta construir algo nuevo mientras la sombra de la ex sigue presente. El recuerdo de esa chica feliz y libre en cuero se cuela en cada gesto, cada caricia, y convierte momentos como San Valentín en escenarios de dudas internas. La narradora oscila entre la empatía de haber consolado a la ex y el ardor de los celos, preguntándose constantemente si ha cruzado una línea al ocupar su lugar.
Con una letra cargada de imágenes de desmoronamiento y fiebre, la canción explora la fragilidad del amor cuando el pasado no está resuelto. Entre susurros y confesiones, Billie dibuja un mapa de sentimientos que muchos conocen: la inseguridad, la comparación inevitable y el temor de que un recuerdo pueda ser más fuerte que el presente. Wildflower es, en esencia, un retrato honesto y poético de cómo las historias de amor se superponen, revelando tanto la belleza como la incomodidad de amar a alguien que aún guarda cicatrices.
¿Alguna vez has sentido que, por más que busques la salida, sigues atrapado en el mismo lugar? En "lovely", Billie Eilish y Khalid pintan ese sentimiento de estancamiento con pinceladas de melancolía y belleza. Las letras retratan a dos voces que anhelan escapar de una prisión emocional, donde los miedos se vuelven paredes invisibles: un corazón frágil "de cristal", una mente endurecida "de piedra" y la constante búsqueda de un refugio que parece no existir.
Aun así, entre la oscuridad se cuela un rayo de esperanza. Repetir "Hello, welcome home" es como abrazar la vulnerabilidad y reconocer que, aunque la soledad duela, también puede ser el primer paso para sanar. El resultado es una canción que combina la suavidad hipnótica de Billie con la calidez de Khalid, recordándonos que incluso en los momentos más grises podemos encontrar algo "lovely": la posibilidad de aceptarnos, reconstruirnos y, finalmente, sentirnos vivos de nuevo.
¿Quién soy y para qué estoy aquí? Esa es la pregunta que Billie Eilish plantea en What Was I Made For?, una balada intimista que nació en Estados Unidos y terminó dándole un giro filosófico al universo de Barbie. La cantante dibuja la transición de un estado ligero –«I used to float»– a la caída libre de la incertidumbre: sentirse un ideal de plástico, un objeto comprado, alguien que antes «sabía» y ahora duda de todo. El piano suave y su voz susurrada envuelven ese descubrimiento doloroso de que la felicidad se apagó y el propósito se esfumó.
En medio de tanta fragilidad, aflora una chispa de esperanza. Billie repite «I don’t know how to feel, but I wanna try», recordándonos que explorar las emociones es el primer paso para hallar sentido. Así, el tema se convierte en un viaje de auto-aceptación donde la tristeza es legítima y la búsqueda del «algo para lo que fui creada» resulta inevitablemente humana. Perfecta para escuchar con los auriculares puestos y practicar español, esta canción te invita a reflexionar, sentir y –quién sabe– descubrir tu propia respuesta a la gran pregunta.
En «CHIHIRO» Billie Eilish se sumerge en una atmósfera de niebla emocional, preguntándose una y otra vez ¿te llevaste mi amor? Mientras la puerta que ruega abrir simboliza la barrera entre dos mundos, la cantante mezcla recuerdos borrosos, la angustia de no ser reconocida y el miedo a olvidar su propio nombre. El título alude a la protagonista del film japonés «El viaje de Chihiro», una niña que sólo puede regresar a casa si recuerda quién es. De la misma manera, la voz lírica de Billie atraviesa un laberinto de pérdida e identidad, donde cada vuelta promete una respuesta pero entrega más preguntas.
Entre súplicas que oscilan entre el «hoy» y el «mañana», la canción retrata la sensación de guerra interna cuando el amor desaparece sin aviso. Hay destellos de esperanza, como ese jardín que espera florecer, pero también sospechas de que todo sea una trampa. Con una producción hipnótica y versos que se repiten como mantras, «CHIHIRO» invita al oyente a sentir la incertidumbre de un corazón que aún late buscando una salida, y a descubrir, quizá, que la llave siempre ha estado en recordar su propio nombre.
Billie Eilish nos abre la puerta a una despedida silenciosa y casi cinematográfica. When the Party’s Over retrata ese instante en que reconocemos que una relación, por muy intensa que haya sido, ya no nos hace bien. La cantante confiesa que ha aprendido a perder a la otra persona y que, aunque podría fingir que todo está bien, la verdad aflora en cada verso: duele, confunde y a la vez libera.
La canción describe un juego de cercanía y distancia: “Call me friend but keep me closer”. Hay cariño, pero también la certeza de que seguir juntos solo causará más daño. Billie ilustra el momento en que, tras la fiesta y el bullicio, queda el inevitable silencio donde cada uno debe marcharse por su lado. En última instancia, el tema celebra el valor de dejar ir para sanar, recordándonos que a veces lo mejor para ambos es soltar la mano antes de que las heridas sean más profundas.
¿Alguna vez te has perdido en la mirada de alguien hasta sentir que el mundo se derrumba a tu alrededor? Eso es exactamente lo que le ocurre a Billie Eilish en "Ocean Eyes". La joven artista estadounidense compara unos ojos azules con un océano inmenso y misterioso: hipnotizan, invitan a sumergirse, pero también provocan vértigo. Entre imágenes de ciudades en llamas y cielos de napalm, Billie confiesa que esos ojos azules despiertan fuertes emociones: hacen que llore, que tema la caída libre del enamoramiento y que, aun así, no pueda apartar la vista.
El tema contrapone el caos exterior con la calma (y el peligro) de esa mirada profunda. Mientras Billie camina por un “mundo ciego”, la mente de diamante de la otra persona brilla con una pureza que la deslumbra. "Ocean Eyes" retrata esa mezcla de fascinación y miedo que surge cuando alguien atraviesa nuestras defensas y nos muestra la belleza –y el riesgo– de amar sin red.
¿Te imaginas descubrir que tu felicidad florece cuando esa persona se va? Eso es justamente lo que narra Happier Than Ever, el himno confesional de la cantautora mexicana Billie Eilish. Con una voz suave que luego explota en guitarras y baterías, Billie describe una relación en la que su pareja ignora sus sentimientos, llega ebrio, promete y no cumple; mientras ella, cansada de tanto caos, se da cuenta de que lejos de él se siente mejor que nunca. Cada verso retrata llamadas borrachas, entrevistas sin leer y promesas rotas, pintando un cuadro vívido de manipulación y desinterés.
El giro llega cuando la música estalla y Billie proclama su verdad: “You ruined everything good… Just leave me alone.” En ese momento la canción se convierte en un grito de liberación y empoderamiento que invita a quien la escucha a poner límites y priorizar su bienestar. Con esta mezcla de vulnerabilidad y fuerza, Happier Than Ever nos recuerda que cortar lazos con lo tóxico no solo es válido, sino también el primer paso para ser realmente felices.
¿Crees que eres rudo? Billie Eilish te invita a un juego de poder en bad guy, donde convierte el típico estereotipo del chico duro en un terreno de burla y seducción. Con imágenes vívidas como una camisa blanca empapada de rojo y una nariz sangrante, la cantante crea una atmósfera casi cinematográfica: ella avanza de puntillas, observa, toma el control y disfruta provocando. El estribillo enumera con ritmo pegajoso los tipos de “tough guy”, mientras Billie responde con picardía I’m the bad guy. Al presentarse como la “mala”, invierte los roles y demuestra que la rebeldía femenina también puede dictar las reglas.
El tema mezcla humor negro, minimalismo y susurros para cuestionar normas de género y poder. Las rodillas magulladas, el perfume ajeno y la amenaza de seducir al padre de alguien ilustran cómo la cantante juega con el miedo y la atracción, señalando que la maldad puede ser solo una fachada divertida. En el fondo, la canción celebra la libertad de ser quien uno quiera, sin pedir permiso ni disculpas. ¡Prepárate para sentir el ritmo, reírte de los estereotipos y, por supuesto, practicar tu español mientras descubres por qué Billie es la auténtica bad guy!
¿Y si tu gran historia de amor fueras tú mismo? Billie Eilish, la sorprendente artista de Estados Unidos, nos invita en "My Future" a hacer una pausa para mirarnos al espejo y enamorarnos de la persona que seremos. La canción mezcla un inicio suave, casi introspectivo, con un ritmo más optimista que refleja el momento en el que la cantante decide cambiar de rumbo y priorizarse.
En lugar de buscar validación externa, Billie celebra la posibilidad de crecer por su cuenta: "I'm in love with my future, can't wait to meet her". Aquí el mensaje es claro y poderoso: la soledad no siempre es sinónimo de tristeza; puede ser un espacio para descubrir quién eres y trazar tus propios planes. El tema funciona como un recordatorio musical de que cuidar de nosotros mismos también es un acto de amor, y que el futuro puede ser un compañero emocionante cuando confiamos en nuestro propio potencial.
BLUE de Billie Eilish es un retrato íntimo de la melancolía que persiste cuando intentamos convencer al mundo -y a nosotros mismos- de que ya superamos a alguien. La artista, conocida por su estilo introspectivo, compara el deseo de ver todo en blanco y negro con la realidad de sentirse azul -triste, nostálgica- mientras admite que la relación aún late en su mente. Al llamarse a sí mismos “aves del mismo plumaje”, Eilish muestra la vergüenza de haber ocultado sentimientos y la dificultad de cerrar la puerta del todo.
En la segunda mitad, la canción se vuelve casi terapéutica: explora el origen del dolor del otro -una infancia fría y controlada- y reconoce que, aunque existe compasión, no siempre podemos rescatar a quienes amamos. Con líneas que hablan de insomnio, fama temprana y expectativas familiares, el tema mezcla empatía y aceptación, recordándonos que algunas heridas no se pueden curar en pareja. El resultado es una balada oscura y honesta que invita a reflexionar sobre nuestras propias tonalidades de azul y la importancia de soltar cuando el amor ya no basta.
“everything I wanted” es un viaje onírico en el que Billie Eilish mezcla éxito y vulnerabilidad. La cantante imagina alcanzar todo aquello que alguna vez deseó, pero pronto descubre que ese supuesto paraíso se transforma en una pesadilla: nadie la ve, nadie la escucha, y la fama no llena el vacío que siente. En medio de esa confusión aparece la figura protectora de su hermano Finneas —representado en la canción como ese “tú” que la acompaña al despertar— quien le recuerda: “Mientras yo esté aquí, nadie puede hacerte daño”. Billie reflexiona entonces sobre el poder de las palabras ajenas, el miedo a decepcionar y la importancia de cambiar la forma en que nos vemos a nosotros mismos para no dejarnos aplastar por la presión externa.
En solo unos minutos, la artista de Los Ángeles combina un ambiente casi de cuento lúgubre con un mensaje de esperanza: la fama puede ser solitaria, las críticas pueden doler, pero el apoyo de quienes de verdad te quieren funciona como un salvavidas. Así, la canción se convierte en una invitación a cuidar nuestra salud mental y a aferrarnos a las personas que nos recuerdan que “ellos no te merecen” cuando el mundo parece hundirse.
¿Alguna vez has querido dejar de ser tú por un instante? En idontwannabeyouanymore, la joven artista estadounidense Billie Eilish nos invita a asomarnos al espejo de sus inseguridades. Con imágenes tan potentes como «piscinas llenas de lágrimas» y «modelos que se ahogan en su propio llanto», la cantante retrata la presión social, la baja autoestima y la autocrítica feroz que muchas personas sienten a diario. La frase repetida “I don’t wanna be you anymore” no va dirigida a otra persona, sino a sí misma: es el deseo de abandonar un yo cargado de dudas, miedos y expectativas ajenas.
A lo largo de la canción, Billie combina suavidad vocal con letras que golpean duro. Habla de sentirse “fabricada con un molde roto”, de promesas de amor que quizás nunca se cumplan y de la tristeza que se acumula tras una sonrisa ensayada. Ese contraste entre una melodía casi susurrada y palabras crudas refuerza el mensaje: muchas veces la tristeza se esconde detrás de una fachada tranquila. Escucharla es como compartir un secreto frente al espejo y, al mismo tiempo, encontrar consuelo en saber que no estamos solos en esa lucha interna.
¿Alguna vez has deseado que la razón de un rechazo fuera algo tan simple como que la otra persona tenga una orientación diferente? En "wish you were gay", la joven estrella estadounidense Billie Eilish transforma esa frustración en una confesión creativa y casi cómica. Entre susurros melódicos y un original conteo regresivo de números (del 12 al 1), Billie retrata la angustia de un amor no correspondido: ella haría cualquier cosa por encajar, pero la indiferencia de la otra persona la deja contando silencios y vacíos.
La cantante admite que preferiría culpar a la orientación sexual de su crush antes que enfrentarse a la dolorosa realidad de que simplemente no le interesa. Así, la canción mezcla vulnerabilidad, humor autoprotector y esa típica sensación adolescente de sentirse "dramáticamente incomprendida". Con frases tan directas como "no digas que no soy tu tipo, di que no soy tu orientación preferida", Billie invita a reflexionar sobre el orgullo herido, la búsqueda de excusas y la empatía hacia los sentimientos propios y ajenos, todo acompañado por una producción minimalista que deja brillar la honestidad cruda de su voz.
¿Quién soy? Soy lo que pienso, no lo que tú dices. Con esa actitud directa, Billie Eilish dispara una ráfaga de autoestima en “Therefore I Am”. La joven artista de Estados Unidos mezcla filosofía pura —la famosa frase de Descartes “Pienso, luego existo”— con un beat irresistible para recordarnos que nadie tiene derecho a apropiarse de nuestra identidad ni colgarse de nuestra fama. Entre ironías y un toque de sarcasmo, la canción expone a esos personajes que presumen ser “el hombre” mientras viven en un mundo idealizado, ajeno a la realidad.
Mensaje principal: pon límites, sé dueño de tu propio nombre y diviértete viendo cómo a los ego-inflados se les pincha el globo. Billie no busca pleitos; simplemente deja claro que no necesita tu aprobación para existir. El resultado es un himno de independencia y autenticidad que reta a cada oyente a decir con orgullo: “No soy tu amigo, soy lo que pienso y punto”. 🎤✌️
Prepárate para un viajecito oscuro y algo macabro: en “Bellyache”, la joven Billie Eilish (artista de Estados Unidos) nos invita a imaginar que somos la protagonista de una película de suspenso. Sentada en el coche con un dolor de barriga que delata su culpa, confiesa que acaba de deshacerse de sus amigos y de su amante, y ahora no encuentra su mente… ni su tranquilidad. La canción mezcla imágenes inquietantes —cuerpos en el maletero, dinero desaparecido y un lazo colgando como collar— con un ritmo pegajoso que contrasta con la historia tenebrosa.
El “bellyache” es la culpa hecha dolor físico. Billie canta que pensó que sentirse vengada le daría paz, pero su estómago revuelto le recuerda que la violencia y la venganza son una trampa cara. ¿Dónde está su mente? Tal vez “en la alcantarilla” junto a su antiguo amor y su identidad. Con esta letra, Eilish retrata la batalla interna entre la adrenalina de la rebeldía y el remordimiento que viene después, todo envuelto en un humor negro que te hace preguntar: ¿y si la verdadera prisión es nuestra propia conciencia?
¿Quién no ha querido refugiarse en la tele cuando la vida pesa? En “TV”, la cantautora italiana Billie Eilish convierte el mando a distancia en un salvavidas emocional. La canción retrata a alguien que, ante la inminente ruptura con su pareja, prefiere hundirse en la pasividad de un reality show antes que enfrentar el dolor de la despedida. Entre imágenes de “quedarse en la piscina hasta ahogarse” y “hundirse en el sofá”, la artista muestra cómo el entretenimiento puede funcionar como anestesia, aunque sea temporal. Ese aturdimiento contrasta con una autocrítica que late en el estribillo: maybe I’m the problem, una frase que se repite como un mantra de culpa y vulnerabilidad.
La letra va más allá del drama personal y lanza una mirada al mundo exterior: menciona juicios mediáticos, el revuelo en internet y la revocación de Roe v. Wade. Con ello, Billie subraya cómo las noticias intensifican la sensación de caos y hacen que todo, desde la amistad hasta el amor, parezca frágil e incierto. “TV” es, en esencia, un retrato sincero de la soledad contemporánea: huimos de nuestros sentimientos con pantallas, olvidamos a nuestros amigos cuando nos enamoramos y, al final, nos preguntamos si el problema somos nosotros mismos. La canción invita a reconocer ese ciclo y, quizá, a apagar la tele para escucharnos de verdad.
Billie Eilish, la joven artista estadounidense, pinta en “My Boy” el retrato mordaz de un novio que promete mucho y cumple poco. Con ironía y humor negro, la cantante expone a un chico sus (sospechoso) que se vuelve “solo una sombra” de quien decía ser. Cada verso revela contradicciones: él “adora a sus amigos” de la misma forma en que ella “ama sus puntas abiertas”, es decir, ¡cortándolos de su vida! Así, la canción mezcla imágenes cotidianas con lenguaje juvenil para mostrar que el chico miente, llora feo y copia los modales de su padre, pero nunca cambia.
El mensaje es claro: si quieres estar con alguien, debes ser sincero y corresponder. Billie se planta con actitud, deja en evidencia la falta de madurez de su pareja y, al final, lanza un ultimátum: “If you want a good girl, then goodbye”. El tema celebra la autoestima y el empoderamiento femenino, subrayando la importancia de poner límites cuando el amor no es honesto ni recíproco.
En L'AMOUR DE MA VIE Billie Eilish convierte la típica balada de ruptura en una carta cargada de ironía y autoliberación. Después de haberle jurado a su ex que era «el amor de su vida», confiesa que aquello fue una mentira piadosa y destapa la toxicidad que había detrás: manipulación emocional, culpa y promesas dramáticas («te mataría que yo me fuera») que al final se desinflan cuando él pasa página a la velocidad de la luz.
La canción mezcla compasión y burla. Billie le desea «lo mejor para el resto de su vida» mientras celebra su propia salida de una relación que la hacía sentir enferma del estómago. Con un tono mordaz, enumera cómo él la quiso retener como un trofeo y cómo, ante la cámara de la vida real, quedó retratado en su mediocridad. El resultado es un himno pop que suena a despedida triunfal: ella reivindica su poder, reconoce que para él sí fue «el amor de su vida» y deja claro que, para ella, la historia está más que cerrada.
Everybody Dies nos invita a mirar de frente la pregunta que casi nadie quiere plantearse: ¿qué significa saber que todos, sin excepción, vamos a morir? En esta balada melancólica, Billie Eilish confiesa las “pequeñas mentiras” que usamos como mantas de seguridad, las dudas que nos asaltan cuando imaginamos un futuro sin nosotros y la nostalgia por un mundo conocido que ya no volverá. Su voz suave convierte el miedo en una charla íntima, casi como si la artista te susurrara que no eres la única persona que se siente así.
Aunque el título suene sombrío, la canción termina ofreciendo consuelo. Billie recuerda que llorar es normal, doblarse no es fracasar y, sobre todo, que nadie está realmente solo. Al reconocer nuestra mortalidad compartida, también descubrimos un vínculo universal: si todos vamos por el mismo camino, podemos acompañarnos en él. La lección es clara: afrontar la muerte nos anima a vivir con más honestidad y a valorar las conexiones que nos hacen sentir vistos y conocidos.
Billie Eilish, la joven artista de Italia que fusiona lo íntimo con lo oscuro, nos invita en Bitches Broken Hearts a espiar una conversación que nunca ocurrió en voz alta. Sobre un ritmo minimalista, su voz susurra reproches y verdades incómodas mientras pinta el escenario de una relación fantasma: dos personas que se extrañan, se espían y se niegan al mismo tiempo. El resultado es una atmósfera de melancolía elegante en la que el orgullo pesa más que el deseo y, aun así, el deseo sigue ahí.
Bitches Broken Hearts desmenuza los autoengaños que usamos para sobrevivir a un amor fallido:
- Fingir que no pasa nada cuando en realidad arde la ausencia.
- Hablar del otro a cada momento, pero jurar que ya no importa.
- Buscar consuelo en alguien nuevo, aunque la comparación sea inevitable.
Con líneas mordaces como “Everybody knows you and I are suicide and stolen art”, Billie retrata la toxicidad de un vínculo irresistible que es, a la vez, obra maestra y arma de doble filo. Al final, la cantante acepta su soledad como armadura y sentencia que la otra persona nació para rogar que se quede, mientras ella se convierte en el recuerdo que se escapa. La canción es un himno para quienes prefieren la verdad cruda a las apariencias, y nos recuerda que, a veces, ser el que se va también es una forma de libertad.
¿Alguna vez te has sentido la superheroína silenciosa de una relación? "THE GREATEST" de Billie Eilish retrata justo esa sensación: la de entregar noches en vela, paciencia infinita y toneladas de cariño para que la otra persona esté cómoda, mientras tú te deshaces por dentro. Con su voz íntima y un ritmo que va creciendo como un suspiro contenido, Billie ironiza al llamarse la más grande, celebrando con sarcasmo todo el esfuerzo que hace a cambio de casi nada.
En los versos, la artista de Estados Unidos enumera cada sacrificio y muestra la frustración de quien espera reciprocidad que nunca llega. La frase repetida "Man, am I the greatest" es un aplauso vacío que esconde dolor: amar sin ser valorada, querer pasión y recibir indiferencia. Al final, la canción deja claro el mensaje: ser el "más grande" en dar no vale si el otro no levanta un dedo. Es un recordatorio crudo y honesto sobre los límites del amor no correspondido.
¿Alguna vez sentiste un antojo tan fuerte que parecía hambre? En “LUNCH”, Billie Eilish convierte esa sensación en una metáfora deliciosa para hablar de deseo y atracción hacia otra chica. Con imágenes que mezclan comida, coqueteo y un tono juguetón, la cantante de Los Estados Unidos explora la intensidad de querer a alguien, resaltando la chispa, la curiosidad y el impulso de ir más allá de una simple amistad. Cada referencia culinaria subraya lo “irresistible” de la otra persona y la forma en que el deseo puede dominar la mente… ¡igual que cuando no puedes dejar de pensar en tu plato favorito!
La canción también celebra la libertad y la seguridad de expresar una atracción queer sin tapujos. Billie retrata el momento de invitar, mimar y cuidar a esa persona especial, mientras se pregunta si la conexión podría convertirse en algo duradero. Entre humor, atrevimiento y dulzura, “LUNCH” nos recuerda que el amor y el deseo son experiencias sabrosas que merecen disfrutarse con confianza y valentía.