Learn English With Miley Cyrus with these 23 Song Recommendations (Full Translations Included!)
Flowers convierte el desamor en una fiesta de amor propio. Miley Cyrus, la superestrella estadounidense, recuerda lo que se perdió: una relación brillante que terminó en cenizas. Sin embargo, entre las lágrimas descubre algo poderoso: no necesita a nadie para regalarse flores, bailar ni sentirse amada. La metáfora de comprarse sus propias flores pinta una escena divertida y liberadora, donde la cantante decide ser su propia compañía ideal.
El estribillo se repite como un mantra: "I can love me better than you can". Con cada verso, Miley invita a los oyentes a celebrar su independencia, a mimarse sin culpa y a perdonar para seguir adelante. La canción mezcla nostalgia y optimismo, ofreciendo una lección clara: el final de una historia puede ser el comienzo de una relación más importante, la que tenemos con nosotros mismos.
¿Listo para ponerte las botas y emprender una gran aventura musical? En “The Climb”, Miley Cyrus compara nuestros objetivos con enormes montañas y nos recuerda que siempre habrá voces internas diciendo “no llegarás”. Sin embargo, cada paso, por pequeño que sea, cuenta. Aunque a veces nos sintamos perdidos o sin fe, la clave es levantar la cabeza y seguir avanzando.
El mensaje central es claro: lo importante no es llegar primero ni descubrir qué hay al otro lado, sino disfrutar y aprender durante el recorrido. Las caídas, los retos y las victorias parciales son los momentos que recordaremos y los que forjan nuestra fortaleza. Con un estribillo pegadizo que anima a “seguir escalando”, la canción se convierte en un himno de perseverancia y esperanza que invita a mantener viva la fe en nosotros mismos.
En Wrecking Ball, la artista estadounidense Miley Cyrus nos confiesa un amor tan intenso que llega como una bola de demolición: veloz, ruidoso y sin medir las consecuencias. La voz lírica recuerda cómo se lanzó de lleno a la relación —“I came in like a wrecking ball”— con la esperanza de derribar los muros emocionales de su pareja, solo para acabar siendo ella la parte dañada. Entre imágenes de cadenas, saltos al vacío y besos embrujados, la canción mezcla adrenalina y vulnerabilidad, mostrando lo fácil que es confundir pasión con destrucción.
Este himno pop-rock revela el arrepentimiento de quien quería simplemente “que la dejaran entrar” pero terminó convirtiendo el amor en un campo de batalla. Miley plantea preguntas sobre la culpa y la comunicación: ¿es peor forzar la entrada al corazón ajeno o mantenerlo siempre cerrado? Al final, el romance queda reducido a cenizas, pero la protagonista no renuncia a sus sentimientos —“I will always want you”—, recordándonos que incluso los golpes más duros enseñan lecciones de autoconocimiento y fortaleza.
Party In The U.S.A. nos sumerge en la primera gran aventura de Miley al aterrizar en Los Ángeles. Con la maleta llena de sueños y su inseparable cardigan, la joven cantante se siente pequeña ante las luces de Hollywood: le sudan las manos, le ruge el estómago y se pregunta si encajará en ese “país del exceso”. Sin embargo, todo cambia cuando el taxista enciende la radio y suena Jay-Z. Esa chispa musical convierte el miedo en emoción, le arranca un “¡manos arriba!” y, de pronto, la ciudad desconocida parece una pista de baile abierta para ella.
El resto de la canción repite ese giro mágico. Miley entra en una discoteca donde nadie la conoce, extraña a sus amigas de Nashville y casi compra un billete de vuelta. Pero cada vez que el DJ pincha uno de sus temas favoritos (primero Jay-Z, luego Britney), la música le devuelve la confianza y el sentido de pertenencia. Party In The U.S.A. celebra justo eso: el poder transformador de una canción que nos recuerda que todo irá bien, sin importar cuán lejos estemos de casa. Al final, Miley no solo sobrevive a la presión, sino que la convierte en fiesta… y nos invita a subir el volumen y corear con ella: “Yeah, it’s a party in the USA!”
Angels Like You es una confesión pop-rock cargada de guitarras y sinceridad brutal. Miley nos sitúa en una relación que aparenta flores y poesía, pero debajo late la certeza de que algo va a romperse. Mientras llama a su pareja baby, admite que cuanto más la quieren, menos cree necesitar; la balanza se desequilibra y el desastre sentimental se acerca.
En el estribillo, la cantante se adjudica toda la culpa: “misery loves company” y ella encarna esa compañía turbulenta. Reconoce su fama de chica problemática y la confirma con ironía: “soy todo lo que decían que sería”. El mensaje central es claro: el amor no siempre fracasa por falta de sentimiento, sino por miedo y autodestrucción. Miley decide alejar a ese ángel que merece volar más alto, firmando un himno agridulce de culpa, ternura y despedida perfecto para cantar a todo pulmón mientras practicas tu español.
Adore You es una balada íntima en la que Miley Cyrus, la artista estadounidense conocida por su voz rasposa y su energía inconfundible, se rinde por completo al amor. Desde el primer verso la cantante confiesa que su vida parece empezar de verdad ahora que ha encontrado a esa persona especial. Repite Baby, are you listening? para subrayar la urgencia y la sinceridad de su mensaje: quiere asegurarse de que cada palabra de afecto sea escuchada y correspondida. El estribillo —con ese juego de I love you more / I need you more— funciona como un duelo amistoso de cariño, donde ambos amantes compiten por demostrar quién adora más al otro.
En la segunda mitad de la canción el sentimiento crece. Miley se muestra vulnerable (I’m scared, so scared), pero la cercanía de su pareja la hace sentir protegida como si estuviera rodeada de un ejército. La letra culmina en una declaración casi ceremonial: You and me, we’re meant to be in holy matrimony, dando a entender que este amor está bendecido por el destino. El resultado es una oda al amor absoluto y recíproco, perfecta para practicar vocabulario de emociones en inglés y dejarse llevar por un mensaje sencillo pero poderoso: cuando el amor es verdadero, siempre queremos dar un poco más de lo que recibimos.
¡Prepárate para un viaje de nostalgia y orgullo por el propio camino! En Used To Be Young, la artista colombiana Miley Cyrus conversa con su yo del pasado y con cualquiera que le recuerde aquellas épocas de locura, fiestas interminables y decisiones impulsivas. Entre confesiones sobre bares abiertos, tatuajes imborrables y habitaciones llenas que se vacían, la cantante celebra que esas noches “desperdiciadas” no lo fueron en realidad: cada error la convirtió en la persona que es hoy. La verdad es “a prueba de balas” y, aunque ya no viste igual ni se comporta con la misma locura, Miley deja claro que no se avergüenza de haber sido joven.
La canción mezcla arrepentimiento ligero con gratitud: reconoce que el tiempo la cambió, pero defiende su historial con una sonrisa. En lugar de lamentarse, brinda por los recuerdos y acepta que las cosas buenas —y las no tan buenas— construyen nuestra identidad. Used To Be Young es un himno para cualquiera que mire fotos del pasado y piense “¡vaya, qué salvaje fui!”, al mismo tiempo que se siente orgulloso de seguir adelante con más sabiduría y sin perder la chispa.
¿Alguna vez sentiste que el mundo se te venía encima y, aun así, al mirar a esa persona especial, todo cobraba sentido? Eso es exactamente lo que transmite Miley Cyrus, la cantante originaria de Estados Unidos, en When I Look At You. La canción es una oda a la inspiración que nace del amor incondicional: cuando la vida se vuelve complicada, las olas parecen inundarlo todo y la oscuridad apaga las luces, mirar a quien amas te recuerda que no estás solo.
A lo largo de la letra, Miley pinta imágenes poderosas —olas desbordadas, noches interminables, un caleidoscopio de colores— para mostrar cómo esa mirada transforma el caos en calma. La melodía funciona como un refugio lleno de perdón y verdad, donde la aceptación mutua brilla “como las estrellas sostienen a la luna”. En pocas palabras, este tema celebra la fuerza casi mágica que tiene el amor para guiarnos de regreso a casa cuando nos sentimos perdidos.
¿Qué harías si mañana no existiera? Esa es la pregunta que Miley Cyrus lanza al aire en End Of The World. Ante un cielo que se desploma “como un cometa”, la cantante norteamericana imagina un escenario apocalíptico para recordarnos que el tiempo es frágil. Entre imágenes festivas –gastar los ahorros en un Mercedes, organizar una fiesta al estilo McCartney, perderse en París o ver el atardecer en Malibú– la letra celebra la urgencia de vivir, amar y atrevernos a todo lo que antes nos frenaba.
La canción es, en el fondo, un himno al carpe diem: si el futuro es incierto, aprovechemos el presente con intensidad y complicidad. Miley propone abrazar a quien amamos, viajar sin mapas y vaciar la botella para olvidar los miedos. Así, convertir el supuesto fin del mundo en la mejor excusa para pintar la vida con colores más vivos que nunca.
Easy Lover nos transporta al torbellino emocional de una relación tan apasionada como complicada. Miley Cyrus describe a ese amor que enciende todas las chispas, ese alguien que puede volverla “loca” y, al mismo tiempo, hacerla sentir vacía cuando está lejos. A pesar de la intensidad, la cantante reconoce que necesita esa dosis de adrenalina: llama, insiste y no puede vivir sin la presencia de quien le provoca tanta luz como fuego.
En el estribillo, Miley acepta que su pareja no es un "amante fácil". La convierte en rehén voluntaria: aunque la ataran a caballos, no se marcharía. Con imágenes potentes como la de un wildfire, la artista confiesa que prefiere seguir bailando entre las cenizas antes que apagar la llama. El resultado es un himno a las pasiones difíciles de soltar, a ese amor que quema y cura al mismo tiempo, y a la obstinación de no renunciar a lo que nos hace sentir vivos.
We Can’t Stop de Miley Cyrus es un grito de libertad juvenil que estalla en plena pista de baile. Desde el primer verso, la cantante nos invita a su fiesta privada: un lugar lleno de vasos rojos, cuerpos sudorosos y manos alzadas que no piden permiso. Aquí todo vale: besar, cantar o amar a quien quieras, porque —como repite el estribillo— es nuestra fiesta y haremos lo que queramos. La canción rebosa energía e irreverencia, animándonos a disfrutar la noche hasta que salga el sol.
Bajo el ritmo pegajoso se esconde un mensaje de empoderamiento y autenticidad. Miley celebra la confianza en uno mismo, el derecho a fijar nuestras propias reglas y la valentía de ignorar el juicio ajeno: “Solo Dios puede juzgarnos”. Al declarar “We run things, things don’t run we”, la artista reafirma que somos dueños de nuestras decisiones y no debemos aceptar imposiciones externas. Con su actitud despreocupada, “We Can’t Stop” se convierte en un himno para quienes quieren vivir intensamente, sin miedos ni culpas, abrazando la diversión y la autoexpresión como bandera.
“Something Beautiful” nos coloca en medio de una noche eléctrica donde Miley Cyrus pide a su pareja que le susurre algo hermoso mientras el mundo parece estallar a su alrededor. Entre imágenes de "agua convertida en vino" y "palomas que lloran al amanecer", la cantante dibuja un escenario de caos luminoso en el que cada destello —flash, bang, spark— sirve para frenar el tiempo y vivir un instante de magia intensa.
La letra oscila entre la belleza y la obsesión: Miley pierde el aliento, confiesa su entrega total y ruega no ser soltada, aun cuando eso implique exponerse al dolor. Esa mezcla de vulnerabilidad y deseo convierte la canción en un himno a encontrar luz en la oscuridad, a abrazar lo sublime incluso cuando late el riesgo de que todo explote. Al final, el mensaje es claro: en medio del ruido del mundo, lo verdaderamente hermoso nace del vínculo apasionado que compartimos con alguien más.
Walk Of Fame nos sumerge en el desfile interminable de la fama, donde cada paso sobre el cemento se siente como una alfombra roja. Entre luces de autos, cámaras imaginarias y coros de fans hambrientos, Miley Cyrus y Brittany Howard retratan la atracción magnética de la celebridad: desperation, fascination, captivation, delusion. La canción repite la idea de caminar y alejarse, reflejando un tira y afloja constante entre el brillo externo y la soledad interna. La protagonista sabe que su imagen será eterna —"You'll live forever"—, pero ese inmortal reconocimiento no evita las lágrimas ni el deseo de escapar en el último tren.
Al final, la letra cuestiona si la fama realmente otorga un lugar seguro o simplemente convierte la vida en un escaparate perpetuo. El estribillo machacón recuerda que cada paso está vigilado y venerado al mismo tiempo: una estrella grabada en el pavimento que todos rodean sin tocar. Así, la canción se convierte en un espejo que refleja tanto la gloria como el peso de ser el centro de atención, invitándonos a preguntarnos qué hay detrás de esos reflectores que nunca se apagan.
“More To Lose” nos sumerge en ese momento agrio y dulce en el que el amor ya se tambalea, pero el corazón se resiste a soltar. Miley Cyrus, la artista estadounidense famosa por su voz rasposa y su sinceridad sin filtros, confiesa aquí la paradoja de quedarse cuando todo invita a irse. La protagonista reconoce que la chispa (la “ecstasy”) se ha apagado, recuerda maratones de series y vaqueros desteñidos que ahora son solo fantasmas, pero aun así se aferra a lo poco que queda porque ve a su pareja como una estrella de cine aunque lleve un abrigo gastado.
En cada estribillo late la pregunta: “¿y si todavía hay algo que perder?” Esa duda la paraliza, la lleva a posponer la ruptura y a rezar para que el encanto regrese. El tema retrata la negación, el miedo a elegir caminos opuestos y el golpe final cuando uno de los dos, al fin, decide marcharse. Con un tono nostálgico y una melodía pegadiza, Miley transforma la indecisión y el duelo amoroso en una catarsis pop que muchos hemos sentido al decir “pensé que teníamos más que perder”.
Midnight Sky es un himno de libertad donde Miley Cyrus pisa la noche como si fuera su propia autopista estelar. Después de “una noche muy larga”, la cantante se mira al espejo y decide que prefiere la adrenalina de ser ella misma antes que volver a las ataduras de una relación pasada. Con la cabeza “en las nubes” y el fuego “en sus pulmones”, Miley celebra que nació para correr y que no necesita la aprobación ni el amor de nadie para brillar.
El tema mezcla guitarras ochenteras y sintetizadores eléctricos para acompañar una letra que vibra con empoderamiento personal: romper cuerdas, aceptar los errores y llevar los labios donde le plazca sin dar explicaciones. Midnight Sky invita a bailar con esa sensación de aire fresco que llega cuando cortas los lazos que te retenían y reclamas tu propio camino bajo el cielo de medianoche.
¿Te imaginas descubrir que el amor puede cambiar por completo tu relación con la naturaleza? En Malibu, la artista estadounidense Miley Cyrus describe cómo una nueva etapa sentimental la lleva, literalmente, a poner los pies en la arena por primera vez. Gracias a esa persona especial, la cantante deja atrás sus miedos al agua y se siente tan libre como los pájaros que atrapan el viento, disfrutando de un escenario idílico de cielo intensamente azul.
La letra es una postal de gratitud y renovación: las olas que van y vienen simbolizan los altibajos de la vida, pero Miley reconoce que ahora cuenta con alguien que la salva cuando siente que se hunde. Malibu celebra un nuevo comienzo lleno de calma, sencillez y cariño, invitándonos a apreciar los pequeños momentos —un atardecer, una conversación interminable, el vaivén del mar— que convierten cualquier lugar en un sueño hecho realidad.
Plastic Hearts nos sumerge en una fiesta interminable entre mansiones de Hollywood, paredes llenas de espejos y desconocidos con sonrisas tan perfectas como vacías. Miley Cyrus retrata un ambiente donde todos pueden reinventarse al instante, vender lo que ya posees y abrazar el exceso sin mirar atrás. El resultado: un torbellino de luces de neón que promete emociones intensas pero deja un eco de soledad.
Bajo el brillo californiano, la cantante confiesa sentirse atrapada en charlas que parecen agujeros negros y amaneceres que asfixian. Sus corazones de plástico sangran porque anhelan algo auténtico, un sentimiento que dure más que una noche en vela. La canción mezcla energía rockera con melancolía para recordarnos que, detrás de la fachada glamorosa, todos buscamos lo mismo: sentir de verdad.
¿Listo para soltar las riendas? "Can't Be Tamed" es un himno de libertad y autodefinición. Miley Cyrus se presenta como una fuerza imparable: una chica que atrae todas las miradas, sí, pero que no está dispuesta a dejarse encasillar ni por la fama ni por ninguna relación. A lo largo de la letra repite el poderoso mantra I can't be tamed, subrayando que su esencia es indomable, que su ADN grita autenticidad y que cualquier intento de cortarle las alas acabará en desastre.
En este tema, Miley reivindica su derecho a explorar, a equivocarse y a decidir su propio camino. Habla de velocidad, de aventura y de un deseo casi salvaje de descubrir «algo que todavía no conoce». El mensaje es claro: si quieres acompañarla, debes respetar su verdadera naturaleza. Esta canción se convierte así en un recordatorio vibrante de empoderamiento personal y de la importancia de celebrar quiénes somos sin pedir disculpas. ¡Ponte los auriculares y prepárate para cantar con toda la actitud de quien no se deja domar! 🕶️🔥
Amor sin límites: En esta balada, Miley Cyrus declara que su pareja es todo para ella, al punto de estar dispuesta a dar la vida. Entre confesiones de noches en vela y lágrimas, reconoce sus fallos al elegir palabras “como cuchillos”, pero también revela su vulnerabilidad y la fuerza que encuentra en ese vínculo. La comparación de ese cariño con dulces y sueños de infancia subraya la pureza e intensidad del sentimiento.
Crecimiento y eternidad: Las imágenes de árboles, hojas de colores y césped que crece retratan la relación como un proceso natural y constante. Cuando la otra persona no está, el tiempo se alarga dolorosamente, lo que refuerza la idea de que solo juntos todo cobra sentido. No hacen falta anillos ni promesas formales: Miley afirma que ya tiene su corazón y renunciaría a todo por ese amor incondicional. La canción, en definitiva, es una oda a un compromiso absoluto, sincero y dispuesto a cualquier sacrificio.
¡Prepárate para mover los pies! “Hoedown Throwdown” es la fiesta coreográfica con la que Miley Cyrus invita a todo el mundo -sin importar la edad- a levantarse de su asiento. La canción mezcla country y hip-hop, dos estilos que parecen opuestos pero aquí se complementan, reflejando la diversidad musical de Estados Unidos. Cada verso funciona como una divertida guía de pasos: Pop it, lock it, polka dot it… El ambiente es el de un gran barbeque al aire libre, donde la energía y el ritmo contagian a quien escuche.
Más que una simple melodía, el tema es una clase de baile condensada en tres minutos. Entre zig-zags, giros de 180 grados y palmadas, Miley promueve la idea de que bailar es cuestión de actitud y comunidad. Al reunir movimientos rurales y urbanos, la canción celebra la mezcla cultural y recuerda que la música sirve para derribar barreras y unir a la gente en torno a la diversión. ¡Así es como rodamos!
¿Alguna vez te has preguntado cómo se siente la fama por dentro? En “Ordinary Girl”, Miley Cyrus nos abre la puerta de su camerino para contarnos que, detrás de los flashes y las portadas de revista, late un corazón tan común como el de cualquiera. La cantante reconoce que adora su papel, sus canciones y el aplauso, pero confiesa que lo sencillo —saludar sin prisas, equivocarse sin cámaras— se vuelve casi inalcanzable. A través de versos cercanos, nos recuerda que ella también se aburre, se asusta y sueña, igual que tú y que yo.
El tema funciona como un abrazo motivador: si una superestrella puede tropezar, levantarse y seguir creyendo en la magia de la vida, tú también puedes perseguir tus deseos sin importar lo que digan los demás. “Ordinary Girl” celebra la autenticidad, animándonos a abrazar nuestras imperfecciones y a confiar en que cualquier cosa es posible para una chica —o chico— corriente que se atreve a soñar.
¿Alguna vez te has sentido atrapado por un amor imposible de olvidar? En “Prisoner”, Miley Cyrus (artista de Estados Unidos) y Dua Lipa unen sus voces para confesar que están encadenadas a un recuerdo que no las suelta. A pesar de intentarlo “un millón de veces”, la obsesión sigue rondando su mente como un bucle incontrolable. La canción mezcla la energía del pop ochentero con letras que hablan de la adicción emocional: cuanto más intentan escapar, más fuerte es la necesidad de volver a esa sensación que una vez supo a cielo.
El estribillo —“Prisoner, prisoner, locked up”— se convierte en un mantra que retrata la lucha interna entre la razón y el deseo. Luz de ciudad, fiestas y distracciones son estrategias inútiles frente a la memoria de un amor cuyo eco es “el más ruidoso”. El resultado es un himno pegadizo que pone ritmo a la contradicción de querer huir y, al mismo tiempo, no poder vivir sin esa chispa que duele y seduce. ¡Prepárate para cantar y sentir cada nota como si fuera la llave… que curiosamente decide quedarse en el bolsillo de quien te mantiene cautivo!
Imagina a Miley Cyrus al volante de un viejo Mercedes, con la radio a todo volumen y el retrovisor lleno de recuerdos que no paran de perseguirla. Thousand Miles es ese viaje mental y literal en el que la artista confiesa estar “fuera de sí”, pero aun así aferrarse a una chispa de esperanza. Entre sonrisas que borran el pasado y llamadas que solo devuelven un tono de marcado, la canción retrata la lucha interna entre cerrar definitivamente una puerta y volver a abrirla cada vez que la nostalgia toca el claxon.
Con el poderoso acompañamiento vocal de Brandi Carlile, el tema mezcla rebeldía y vulnerabilidad para recordarnos que todos podemos sentirnos perdidos a mil millas de cualquier lugar. No importa dónde termine el camino: lo esencial es seguir rodando, como una piedra que se niega a detenerse, mientras hacemos las paces con los errores y celebramos la libertad de vivir el presente.