Learn English With Miley Cyrus with these 23 Song Recommendations (Full Translations Included!)
Flowers convierte el desamor en una fiesta de amor propio. Miley Cyrus, la superestrella estadounidense, recuerda lo que se perdió: una relación brillante que terminó en cenizas. Sin embargo, entre las lágrimas descubre algo poderoso: no necesita a nadie para regalarse flores, bailar ni sentirse amada. La metáfora de comprarse sus propias flores pinta una escena divertida y liberadora, donde la cantante decide ser su propia compañía ideal.
El estribillo se repite como un mantra: "I can love me better than you can". Con cada verso, Miley invita a los oyentes a celebrar su independencia, a mimarse sin culpa y a perdonar para seguir adelante. La canción mezcla nostalgia y optimismo, ofreciendo una lección clara: el final de una historia puede ser el comienzo de una relación más importante, la que tenemos con nosotros mismos.
En Wrecking Ball, la artista estadounidense Miley Cyrus nos confiesa un amor tan intenso que llega como una bola de demolición: veloz, ruidoso y sin medir las consecuencias. La voz lírica recuerda cómo se lanzó de lleno a la relación —“I came in like a wrecking ball”— con la esperanza de derribar los muros emocionales de su pareja, solo para acabar siendo ella la parte dañada. Entre imágenes de cadenas, saltos al vacío y besos embrujados, la canción mezcla adrenalina y vulnerabilidad, mostrando lo fácil que es confundir pasión con destrucción.
Este himno pop-rock revela el arrepentimiento de quien quería simplemente “que la dejaran entrar” pero terminó convirtiendo el amor en un campo de batalla. Miley plantea preguntas sobre la culpa y la comunicación: ¿es peor forzar la entrada al corazón ajeno o mantenerlo siempre cerrado? Al final, el romance queda reducido a cenizas, pero la protagonista no renuncia a sus sentimientos —“I will always want you”—, recordándonos que incluso los golpes más duros enseñan lecciones de autoconocimiento y fortaleza.
¿Alguna vez te has preguntado cómo se siente la fama por dentro? En “Ordinary Girl”, Miley Cyrus nos abre la puerta de su camerino para contarnos que, detrás de los flashes y las portadas de revista, late un corazón tan común como el de cualquiera. La cantante reconoce que adora su papel, sus canciones y el aplauso, pero confiesa que lo sencillo —saludar sin prisas, equivocarse sin cámaras— se vuelve casi inalcanzable. A través de versos cercanos, nos recuerda que ella también se aburre, se asusta y sueña, igual que tú y que yo.
El tema funciona como un abrazo motivador: si una superestrella puede tropezar, levantarse y seguir creyendo en la magia de la vida, tú también puedes perseguir tus deseos sin importar lo que digan los demás. “Ordinary Girl” celebra la autenticidad, animándonos a abrazar nuestras imperfecciones y a confiar en que cualquier cosa es posible para una chica —o chico— corriente que se atreve a soñar.
“Something Beautiful” nos coloca en medio de una noche eléctrica donde Miley Cyrus pide a su pareja que le susurre algo hermoso mientras el mundo parece estallar a su alrededor. Entre imágenes de "agua convertida en vino" y "palomas que lloran al amanecer", la cantante dibuja un escenario de caos luminoso en el que cada destello —flash, bang, spark— sirve para frenar el tiempo y vivir un instante de magia intensa.
La letra oscila entre la belleza y la obsesión: Miley pierde el aliento, confiesa su entrega total y ruega no ser soltada, aun cuando eso implique exponerse al dolor. Esa mezcla de vulnerabilidad y deseo convierte la canción en un himno a encontrar luz en la oscuridad, a abrazar lo sublime incluso cuando late el riesgo de que todo explote. Al final, el mensaje es claro: en medio del ruido del mundo, lo verdaderamente hermoso nace del vínculo apasionado que compartimos con alguien más.
Easy Lover nos transporta al torbellino emocional de una relación tan apasionada como complicada. Miley Cyrus describe a ese amor que enciende todas las chispas, ese alguien que puede volverla “loca” y, al mismo tiempo, hacerla sentir vacía cuando está lejos. A pesar de la intensidad, la cantante reconoce que necesita esa dosis de adrenalina: llama, insiste y no puede vivir sin la presencia de quien le provoca tanta luz como fuego.
En el estribillo, Miley acepta que su pareja no es un "amante fácil". La convierte en rehén voluntaria: aunque la ataran a caballos, no se marcharía. Con imágenes potentes como la de un wildfire, la artista confiesa que prefiere seguir bailando entre las cenizas antes que apagar la llama. El resultado es un himno a las pasiones difíciles de soltar, a ese amor que quema y cura al mismo tiempo, y a la obstinación de no renunciar a lo que nos hace sentir vivos.
“More To Lose” nos sumerge en ese momento agrio y dulce en el que el amor ya se tambalea, pero el corazón se resiste a soltar. Miley Cyrus, la artista estadounidense famosa por su voz rasposa y su sinceridad sin filtros, confiesa aquí la paradoja de quedarse cuando todo invita a irse. La protagonista reconoce que la chispa (la “ecstasy”) se ha apagado, recuerda maratones de series y vaqueros desteñidos que ahora son solo fantasmas, pero aun así se aferra a lo poco que queda porque ve a su pareja como una estrella de cine aunque lleve un abrigo gastado.
En cada estribillo late la pregunta: “¿y si todavía hay algo que perder?” Esa duda la paraliza, la lleva a posponer la ruptura y a rezar para que el encanto regrese. El tema retrata la negación, el miedo a elegir caminos opuestos y el golpe final cuando uno de los dos, al fin, decide marcharse. Con un tono nostálgico y una melodía pegadiza, Miley transforma la indecisión y el duelo amoroso en una catarsis pop que muchos hemos sentido al decir “pensé que teníamos más que perder”.
Walk Of Fame nos sumerge en el desfile interminable de la fama, donde cada paso sobre el cemento se siente como una alfombra roja. Entre luces de autos, cámaras imaginarias y coros de fans hambrientos, Miley Cyrus y Brittany Howard retratan la atracción magnética de la celebridad: desperation, fascination, captivation, delusion. La canción repite la idea de caminar y alejarse, reflejando un tira y afloja constante entre el brillo externo y la soledad interna. La protagonista sabe que su imagen será eterna —"You'll live forever"—, pero ese inmortal reconocimiento no evita las lágrimas ni el deseo de escapar en el último tren.
Al final, la letra cuestiona si la fama realmente otorga un lugar seguro o simplemente convierte la vida en un escaparate perpetuo. El estribillo machacón recuerda que cada paso está vigilado y venerado al mismo tiempo: una estrella grabada en el pavimento que todos rodean sin tocar. Así, la canción se convierte en un espejo que refleja tanto la gloria como el peso de ser el centro de atención, invitándonos a preguntarnos qué hay detrás de esos reflectores que nunca se apagan.
¿Qué harías si mañana no existiera? Esa es la pregunta que Miley Cyrus lanza al aire en End Of The World. Ante un cielo que se desploma “como un cometa”, la cantante norteamericana imagina un escenario apocalíptico para recordarnos que el tiempo es frágil. Entre imágenes festivas –gastar los ahorros en un Mercedes, organizar una fiesta al estilo McCartney, perderse en París o ver el atardecer en Malibú– la letra celebra la urgencia de vivir, amar y atrevernos a todo lo que antes nos frenaba.
La canción es, en el fondo, un himno al carpe diem: si el futuro es incierto, aprovechemos el presente con intensidad y complicidad. Miley propone abrazar a quien amamos, viajar sin mapas y vaciar la botella para olvidar los miedos. Así, convertir el supuesto fin del mundo en la mejor excusa para pintar la vida con colores más vivos que nunca.
¡Prepara tus auriculares y tu lado más soñador! "See You Again" cuenta la historia de un flechazo adolescente que acelera el corazón y hace temblar las rodillas. Miley Cyrus nos presenta a alguien que, tras cruzar miradas y sentir una conexión instantánea, está decidida a superar su timidez. Cada verso describe esas mariposas que revolotean cuando la otra persona se acerca: respiración entrecortada, palabras que se traban y la esperanza de tener una segunda oportunidad para impresionar.
La canción es un himno a la emoción de anticipar un próximo encuentro. Miley reconoce sus nervios, pero en lugar de rendirse se promete brillar la próxima vez. Entre confesiones de su mejor amiga y la certeza de que ambos quieren volver a verse, la artista convierte los tropiezos románticos en pura energía pop. En resumen, este tema celebra la frescura del primer amor y nos recuerda que ser uno mismo, incluso con todo y torpeza, puede ser irresistiblemente encantador.
En Rose Colored Lenses, la estadounidense Miley Cyrus nos invita a sumergirnos en el lado más dulce y desenfadado del enamoramiento. Imagina despertar al amanecer con el sol colándose por la ventana, ponerte las gafas de sol y quedarte a vivir en la cama entre sábanas revueltas que saben a limonada. Así es el escenario que pinta la canción: una habitación convertida en "país de las maravillas", donde todo es risas, desorden y deseo, y donde el tiempo parece detenerse para que los amantes jueguen a ser niños otra vez.
El estribillo repite la idea de llevar rose-colored lenses (gafas color de rosa), símbolo de esa visión idealizada que hace que todo luzca perfecto. Miley celebra la magia de ese instante –la "vacación de verano eterna"– y la ilusión de que nada acabe jamás. Sin embargo, bajo la alegría se asoma la conciencia de que se trata de un juego de "pretend" (fingir): la fantasía de que el amor permanezca inmutable, ignorando el mundo real más allá de la puerta del hotel. La canción, con su vibra soñadora y hedonista, recuerda lo embriagador que puede ser enamorarse y lo tentador que es querer quedarse a vivir en ese brillo rosado para siempre.
¡Prepárate para un viaje de nostalgia y orgullo por el propio camino! En Used To Be Young, la artista colombiana Miley Cyrus conversa con su yo del pasado y con cualquiera que le recuerde aquellas épocas de locura, fiestas interminables y decisiones impulsivas. Entre confesiones sobre bares abiertos, tatuajes imborrables y habitaciones llenas que se vacían, la cantante celebra que esas noches “desperdiciadas” no lo fueron en realidad: cada error la convirtió en la persona que es hoy. La verdad es “a prueba de balas” y, aunque ya no viste igual ni se comporta con la misma locura, Miley deja claro que no se avergüenza de haber sido joven.
La canción mezcla arrepentimiento ligero con gratitud: reconoce que el tiempo la cambió, pero defiende su historial con una sonrisa. En lugar de lamentarse, brinda por los recuerdos y acepta que las cosas buenas —y las no tan buenas— construyen nuestra identidad. Used To Be Young es un himno para cualquiera que mire fotos del pasado y piense “¡vaya, qué salvaje fui!”, al mismo tiempo que se siente orgulloso de seguir adelante con más sabiduría y sin perder la chispa.
«River» de Miley Cyrus es un torbellino de pasión que compara el amor con la fuerza imparable de un río. La cantante describe cómo se prepara para impresionar a su pareja —un vestido nuevo, el cabello recogido— y, al mismo tiempo, revela la intensidad de sus sentimientos: su corazón late tan fuerte que casi la ahoga. Las imágenes de lluvia de abril y un cauce que no deja de fluir simbolizan un deseo constante, renovador y capaz de inundarlo todo.
Entre burbujas de baño y sueños de futuros hijos, Miley mezcla sensualidad y ternura. La letra celebra un romance que transforma su sequía emocional en un torrente de vida, sudor y complicidad. «River» es una invitación a dejarse llevar por una corriente de amor que nunca se seca, que recorre cada rincón y promete seguir fluyendo para siempre.
¡Prepárate para sentir el desamor sin filtros en Jaded! Miley Cyrus se dirige a un viejo amor con una mezcla de remordimiento y sinceridad, admitiendo que nunca se disculpó a tiempo. Ahora, con la perspectiva que dan los años, reconoce que el problema se volvió demasiado grande para esconderlo. Entre maletas sin deshacer y escapadas al bar, Miley pinta el retrato de una relación que viajó “al infierno” y nunca regresó. Él evita su parte de culpa y se sumerge en el alcohol; ella lamenta no haberlo llevado a los lugares —reales o emocionales— que ambos soñaban. La repetición de “I’m sorry that you’re jaded” funciona como un mantra que mezcla culpa y compasión.
En el cierre, la cantante acepta que el final dolerá cuando llegue alguien nuevo, pero decide conservar una vieja camiseta como recuerdo de lo vivido. Jaded es, en esencia, una carta abierta sobre cómo el resentimiento marchita el amor y sobre la necesidad de cerrar ciclos antes de que la amargura lo ensombrezca todo.
Angels Like You es una confesión pop-rock cargada de guitarras y sinceridad brutal. Miley nos sitúa en una relación que aparenta flores y poesía, pero debajo late la certeza de que algo va a romperse. Mientras llama a su pareja baby, admite que cuanto más la quieren, menos cree necesitar; la balanza se desequilibra y el desastre sentimental se acerca.
En el estribillo, la cantante se adjudica toda la culpa: “misery loves company” y ella encarna esa compañía turbulenta. Reconoce su fama de chica problemática y la confirma con ironía: “soy todo lo que decían que sería”. El mensaje central es claro: el amor no siempre fracasa por falta de sentimiento, sino por miedo y autodestrucción. Miley decide alejar a ese ángel que merece volar más alto, firmando un himno agridulce de culpa, ternura y despedida perfecto para cantar a todo pulmón mientras practicas tu español.
¿Te imaginas descubrir que el amor puede cambiar por completo tu relación con la naturaleza? En Malibu, la artista estadounidense Miley Cyrus describe cómo una nueva etapa sentimental la lleva, literalmente, a poner los pies en la arena por primera vez. Gracias a esa persona especial, la cantante deja atrás sus miedos al agua y se siente tan libre como los pájaros que atrapan el viento, disfrutando de un escenario idílico de cielo intensamente azul.
La letra es una postal de gratitud y renovación: las olas que van y vienen simbolizan los altibajos de la vida, pero Miley reconoce que ahora cuenta con alguien que la salva cuando siente que se hunde. Malibu celebra un nuevo comienzo lleno de calma, sencillez y cariño, invitándonos a apreciar los pequeños momentos —un atardecer, una conversación interminable, el vaivén del mar— que convierten cualquier lugar en un sueño hecho realidad.
Plastic Hearts nos sumerge en una fiesta interminable entre mansiones de Hollywood, paredes llenas de espejos y desconocidos con sonrisas tan perfectas como vacías. Miley Cyrus retrata un ambiente donde todos pueden reinventarse al instante, vender lo que ya posees y abrazar el exceso sin mirar atrás. El resultado: un torbellino de luces de neón que promete emociones intensas pero deja un eco de soledad.
Bajo el brillo californiano, la cantante confiesa sentirse atrapada en charlas que parecen agujeros negros y amaneceres que asfixian. Sus corazones de plástico sangran porque anhelan algo auténtico, un sentimiento que dure más que una noche en vela. La canción mezcla energía rockera con melancolía para recordarnos que, detrás de la fachada glamorosa, todos buscamos lo mismo: sentir de verdad.
Slide Away es un melancólico pero liberador adiós en el que Miley Cyrus recuerda un pasado que alguna vez fue paraíso y acepta que, aunque duele, es momento de soltarlo. Con imágenes contrastantes como el océano y las luces de la ciudad, la artista opone la tranquilidad de lo que fue al bullicio de la nueva vida que la espera. Entre sus versos confiesa que ya no busca refugiarse en “whiskey and pills”; prefiere una casa en las colinas y el crecimiento personal.
La canción captura ese instante en el que dos personas se dan cuenta de que han cambiado: «Move on, we're not 17». Miley reconoce que, aunque la relación alguna vez los “encontró”, ahora están “perdidos”. Con un tono nostálgico pero firme, invita a su pareja a “deslizarse” lejos, cada uno hacia su propio destino. El resultado es un himno empoderador sobre cerrar ciclos, dejar ir con cariño y abrazar la madurez que llega después de la tormenta.
Amor sin límites: En esta balada, Miley Cyrus declara que su pareja es todo para ella, al punto de estar dispuesta a dar la vida. Entre confesiones de noches en vela y lágrimas, reconoce sus fallos al elegir palabras “como cuchillos”, pero también revela su vulnerabilidad y la fuerza que encuentra en ese vínculo. La comparación de ese cariño con dulces y sueños de infancia subraya la pureza e intensidad del sentimiento.
Crecimiento y eternidad: Las imágenes de árboles, hojas de colores y césped que crece retratan la relación como un proceso natural y constante. Cuando la otra persona no está, el tiempo se alarga dolorosamente, lo que refuerza la idea de que solo juntos todo cobra sentido. No hacen falta anillos ni promesas formales: Miley afirma que ya tiene su corazón y renunciaría a todo por ese amor incondicional. La canción, en definitiva, es una oda a un compromiso absoluto, sincero y dispuesto a cualquier sacrificio.
Don't Dream It’s Over es un himno de esperanza que Miley Cyrus y Ariana Grande convierten en un diálogo cálido y cercano. Desde la primera línea —“There is freedom within, there is freedom without”— la canción nos invita a reconocer que la libertad nace tanto en nuestro interior como en el mundo que recorremos. Aun cuando intentamos “atrapar un diluvio en un vaso de papel”, es decir, controlar lo incontrolable, el mensaje es claro: el camino cobra sentido si viajamos juntos. Las imágenes cotidianas —un coche remolcado, un agujero en el techo, titulares de guerra— reflejan las batallas pequeñas y grandes que enfrentamos cada día, pero el estribillo insiste: “Hey now, don’t dream it’s over”. No permitas que el sueño termine, porque la unión es más fuerte que cualquier muro que quieran levantar entre nosotros.
En la segunda mitad, la música se convierte en un pulso de confianza. El sonido del tambor marca el ritmo de una marcha hacia el corazón del otro, mientras las “sombras” apenas despejan el techo y anuncian la llegada de la luz. El coro regresa como un mantra optimista: aunque el mundo se interponga, “sabemos que no ganarán”. En solo unos minutos, Cyrus y Grande transforman las preocupaciones diarias en un canto de resistencia afectiva, recordándonos que la verdadera victoria consiste en mantenernos unidos, soñar y seguir adelante, sin dejar que nada ni nadie apague nuestra fe en un final feliz compartido.
¿Listo para ponerte las botas y emprender una gran aventura musical? En “The Climb”, Miley Cyrus compara nuestros objetivos con enormes montañas y nos recuerda que siempre habrá voces internas diciendo “no llegarás”. Sin embargo, cada paso, por pequeño que sea, cuenta. Aunque a veces nos sintamos perdidos o sin fe, la clave es levantar la cabeza y seguir avanzando.
El mensaje central es claro: lo importante no es llegar primero ni descubrir qué hay al otro lado, sino disfrutar y aprender durante el recorrido. Las caídas, los retos y las victorias parciales son los momentos que recordaremos y los que forjan nuestra fortaleza. Con un estribillo pegadizo que anima a “seguir escalando”, la canción se convierte en un himno de perseverancia y esperanza que invita a mantener viva la fe en nosotros mismos.
Imagina a Miley Cyrus al volante de un viejo Mercedes, con la radio a todo volumen y el retrovisor lleno de recuerdos que no paran de perseguirla. Thousand Miles es ese viaje mental y literal en el que la artista confiesa estar “fuera de sí”, pero aun así aferrarse a una chispa de esperanza. Entre sonrisas que borran el pasado y llamadas que solo devuelven un tono de marcado, la canción retrata la lucha interna entre cerrar definitivamente una puerta y volver a abrirla cada vez que la nostalgia toca el claxon.
Con el poderoso acompañamiento vocal de Brandi Carlile, el tema mezcla rebeldía y vulnerabilidad para recordarnos que todos podemos sentirnos perdidos a mil millas de cualquier lugar. No importa dónde termine el camino: lo esencial es seguir rodando, como una piedra que se niega a detenerse, mientras hacemos las paces con los errores y celebramos la libertad de vivir el presente.
⚡️Empoderamiento en estado puro
En “Mother’s Daughter”, Miley Cyrus se planta con los colmillos afuera para recordarnos que la libertad femenina no es negociable. A través de imágenes salvajes —como cocodrilos del Nilo, pirañas o una bruja encestando de tres— la artista declara su derecho a ser “rara”, “nasty” y poderosa sin pedir permiso. Cada “hallelujah” celebra ser distinta; cada “back up, boy” es una advertencia a quien quiera ponerle límites.
Herencia y orgullo
La canción rinde homenaje a la fuerza transmitida por su madre: esa voz materna que le decía “lo lograrás” se convierte en combustible para desafiar cualquier obstáculo. Así, Cyrus convierte la rebeldía en gratitud: su espíritu indomable “debe de estar en el agua o en ser hija de su madre”. El resultado es un himno pop-rock que mezcla humor, furia y autoconfianza para invitarte a rugir sin miedo cuando alguien pretenda coartar tu libertad.
Midnight Sky es un himno de libertad donde Miley Cyrus pisa la noche como si fuera su propia autopista estelar. Después de “una noche muy larga”, la cantante se mira al espejo y decide que prefiere la adrenalina de ser ella misma antes que volver a las ataduras de una relación pasada. Con la cabeza “en las nubes” y el fuego “en sus pulmones”, Miley celebra que nació para correr y que no necesita la aprobación ni el amor de nadie para brillar.
El tema mezcla guitarras ochenteras y sintetizadores eléctricos para acompañar una letra que vibra con empoderamiento personal: romper cuerdas, aceptar los errores y llevar los labios donde le plazca sin dar explicaciones. Midnight Sky invita a bailar con esa sensación de aire fresco que llega cuando cortas los lazos que te retenían y reclamas tu propio camino bajo el cielo de medianoche.